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Bernard-Albin Gras: L'Éclat d'une Légende du Design
En 1921, Bernard-Albin Gras crée une gamme de lampes pour l’industrie et les bureaux d’études. La Lampe GRAS est étonnante par son ergonomie et la simplicité de sa mécanique – ni vis, ni soudure – qui lui confère une robustesse à toute épreuve. Mais Bernard-Albin Gras est aussi un des premiers designers du xxe siècle : non content d’innover, il ajoute à ses créations une esthétique fonctionnelle originale notamment dans le dessin des bases et des bielles.
Très rapidement, Le Corbusier, séduit par la modernité de son dessin et sa qualité d’utilisation, adopte la gamme des lampes GRAS et l’intègre dans son agence ainsi que dans ses nombreuses réalisations à travers le monde.
La Lampe GRAS entre alors dans la légende. Suivront Robert Mallet-Stevens, Jacques-Emile Ruhlmann, Eileen Gray, mais également Sonia Delaunay, Georges Braque… C’est la première fois dans l’histoire de l’éclairage qu’une lampe est utilisée dans les ateliers, les maisons et les appartements. Aujourd’hui cette lampe est collectionnée par les amateurs à travers le monde notamment en France, aux États-Unis et au Japon. Le sens inné de l’esthétique de Bernard- Albin Gras a traversé le temps.
DCW Éditions a acquis l’exclusivité des droits de la gamme des lampes GRAS.
Ilia Sergeevich Potemine : L'éclair de génie
Ilia Sergeevich Potemine est un esprit curieux. Doté d'un héritage italo-russe et d'une passion pour l'aviation, il dévie des chemins battus. Plutôt que de rester ancré à la terre, Ilia trouve son inspiration dans les cieux, se libérant des contraintes conventionnelles pour concevoir des luminaires avant-gardistes.
Sa lampe ISP est une manifestation de cette audace. Elle défit les normes, ressemblant plus à un chef-d'œuvre de science-fiction qu'à un objet du quotidien. Avec son design révolutionnaire, elle évoque des images d'un bâton de relais futuriste, d'un Nautilus mystique, ou d'une arche lumineuse. Elle est plus qu'une simple lampe; elle est une vision du futur, une incarnation de la pureté et de l'innovation.
Faisant écho à la légende du design, Achille Castiglioni, et s'inspirant du suprématisme de Malevitch, Ilia Potemine repousse les limites du design contemporain. Avec la lampe ISP, il nous invite à embrasser une nouvelle ère de la modernité. Une époque où la simplicité rencontre la sublimité.
Dominique Perrault & Gaëlle Lauriot-Prévost: Les Lumineux Visionnaires
En quelques mots, l'architecte Dominique Perrault se définit : École, Rupture, Land art, Lieu, Bonheur, Maille. Cette maille, matière rigoureuse et poétique, a été le cœur de son inspiration. Elle évoque une présence aussi bien qu'une absence, une structure qui est à la fois concrète et évanescente. Avec Gaëlle Lauriot-Prévost, ils ont brillamment intégré cette maille dans la conception de dispositifs d'éclairage innovants pour la Bibliothèque Nationale de France.
Dominique Perrault, au-delà de l'esthétique, cherche le sens profond, la dynamique et le contexte. Ses œuvres, qui parsèment l'Europe et l'Asie, témoignent d'une capacité à intégrer l'environnement, la culture et la fonctionnalité. On voit sa marque à Berlin, Luxembourg, Naples, Vienne, Lausanne, Séoul, et Osaka. Sa signature est synonyme de rareté et de qualité.
La collaboration avec Gaëlle Lauriot-Prévost a donné naissance aux collections IN THE TUBE, IN THE TUBE 360° et IN THE SUN. Ces créations marquent une transition, où l'industriel devient domestique, transformant la puissance brute en une lumière douce et sophistiquée. Comme le dit Perrault, l'utilisation de ces éléments industriels dans le design est désormais naturelle, marquant une fusion entre le fonctionnel et le beau.
2015 -IN THE TUBE ,IN THE TUBE 360°, IN THE SUN
Bernard Schottlander: L'Artiste Équilibré
Né en 1924 à Mainz, Bernard Schottlander a émigré en Angleterre juste avant la guerre, où il a plongé dans le monde de l'ingénierie en tant que soudeur. Ces compétences, combinées à sa formation artistique au Leeds College of Art et au Anglo-French Art Centre de Londres, ont façonné son approche unique de la sculpture et du design.
Schottlander s'est distingué en tant que designer d'intérieur et sculpteur d'extérieur. Sous la tutelle de son talentueux assistant, George Nash, formé dans les ateliers de l’armée de l’air britannique, il a créé des pièces mêlant art et ingénierie. Chaque œuvre, produite à la main, reflétait une quête constante de formes innovantes, souvent en éditions limitées.
En se consacrant à la sculpture à partir de 1963, Schottlander a exploré le mouvement comme principal moteur de création. Alliant astucieusement ingénierie et art, il a développé des systèmes de balance utilisant des matériaux à la fois souples et robustes. Ses luminaires, qui évoquent des mobiles en équilibre précaire, captivent par leur jeu sur l’équilibre et le déséquilibre, le vide et le plein. Ils semblent déjouer la gravité, oscillant dans un ballet poétique d'élégance suspendue. Dans l'œuvre de Schottlander, chaque pièce est une invitation à rêver, chaque luminaire est une danse d'élégance en équilibre.
Bertrand Balas: L'éveil d'un talent discret
Le parcours de Bertrand Balas résonne comme une ode à l'authenticité, à l'humilité, et au pouvoir inattendu du destin. Dans une époque où la rapidité et l'immédiateté dictent souvent la cadence, son histoire se démarque par sa simplicité et sa sincérité.
Après un retour de Paris, ville trop trépidante à son goût, Bertrand s'est replié sur Toulouse, sa ville natale, où il s'est épanoui en tant qu'architecte et décorateur pour une clientèle aisée. C'est lors d'un voyage que le destin l'a poussé vers le design d'éclairage, le mettant en contact avec la société Raak. Le jeune architecte, armé de quelques esquisses et d'une ambition prudente, a alors présenté ses conceptions, et à sa grande surprise, l'une d'entre elles a été acceptée.
Il a ainsi conçu le luminaire emblématique "Here Comes the Sun" parmi d'autres créations. Cependant, les obligations de son travail en tant qu'architecte ont éclipsé sa passion pour le design, le poussant à mettre de côté ses talents de concepteur pendant de nombreuses années.
Mais le destin a frappé à nouveau lorsque Frédéric Winkler l'a contacté des décennies plus tard, montrant un intérêt renouvelé pour ses conceptions lumineuses. Cette résurgence inattendue de sa carrière de designer témoigne de l'intemporalité et de l'attrait universel de son travail.
La trajectoire de Bertrand rappelle que le talent, même lorsqu'il est mis de côté ou oublié, a une manière singulière de refaire surface, souvent quand on s'y attend le moins. Son histoire est un rappel poignant de la beauté de la persévérance, de l'authenticité, et de la manière dont le destin peut surprendre même les âmes les plus modestes.
Jacques Biny : Maestro de la Lumière
Le XXe siècle a été une période florissante pour le design, en particulier pour le luminaire, et Jacques Biny en est un exemple éminent. Sa vision et sa contribution à l'évolution du design lumineux se sont distinguées par son approche pragmatique et sa persévérance dans la recherche de l'excellence.
Originaire de Valence, Biny a rapidement identifié un créneau : l'absence de luminaires modernes et fonctionnels. Plutôt que de se contenter de ce qui était disponible, il a pris l'initiative de créer ses propres designs pour ses clients. Cette impulsion entrepreneuriale l'a conduit à la fondation de Luminalite, une entreprise consacrée à l'avant-garde du design d'éclairage.
Mais Biny n'était pas simplement un créateur ; il était aussi un visionnaire et un collaborateur. Sa capacité à s'associer avec d'autres grands noms du design de son époque montre son ouverture et sa volonté d'innover en fusionnant diverses perspectives. Il n'était pas question pour lui de simplement créer des objets esthétiques, mais de repenser la manière dont la lumière interagit avec l'espace et les individus.
Sa quête obsessionnelle pour la qualité de la lumière est manifeste dans chaque pièce qu'il a créée. Au-delà de l'esthétisme, Biny était profondément préoccupé par la fonctionnalité, s'assurant que chaque lampe, chaque luminaire, répondait aux besoins de l'utilisateur tout en étant un chef-d'œuvre de design. C'est cette fusion de forme et de fonction qui a rendu son travail intemporel.
Ses installations à grande échelle dans les cinémas, les universités et les préfectures témoignent de la reconnaissance de son expertise. Chaque projet était une affirmation de sa philosophie : que le design, lorsqu'il est bien fait, transcende le temps et l'espace.
L'héritage de Jacques Biny n'est pas simplement ancré dans les objets qu'il a créés, mais aussi dans sa philosophie du design. Sa mort prématurée en 1976 a peut-être interrompu une carrière en plein essor, mais son impact sur le monde du design lumineux demeure indélébile.
Aujourd'hui, les luminaires de Biny, tels que la Biny Table, continuent de briller, non seulement en tant que témoins d'une époque révolue, mais aussi comme des icônes du design moderne. Dans un monde en constante évolution, Biny a su capturer l'équilibre délicat entre technologie et esthétique, laissant derrière lui un héritage qui continuera à illuminer pour les générations futures.
Éric de Dormael : L'Artiste Lumineux
L'art de l'éclairage va bien au-delà de la simple production de luminaires. C'est un art de raconter des histoires, d'évoquer des émotions et de transmettre des sentiments à travers des faisceaux de lumière et d'ombres. Dans ce domaine, Éric de Dormael est un maestro. Connu pour ses créations uniques, il sculpte la lumière pour en faire plus qu'une simple source d'éclairage : un élément de décoration, une expression artistique et une expérience immersive.
Il est rare de trouver des artistes qui peuvent transformer un espace grâce à la lumière. Les œuvres d'Éric de Dormael ne sont pas de simples luminaires ; ce sont des sculptures lumineuses. La finesse, l'élégance et la délicatesse de ses créations offrent une expérience visuelle qui capte l'essence même de l'éclairage. Elles invitent le spectateur à s'immerger dans un monde de reflets, de motifs et de mouvements.
Ce qui distingue les œuvres d'Éric, c'est leur capacité à évoluer avec l'espace qu'elles habitent. Chaque pièce est conçue pour interagir avec son environnement, créant ainsi un dialogue harmonieux entre la lumière, l'ombre et la surface. Ce sont ces jeux subtils entre ombres et lumières qui donnent à ses œuvres leur caractère unique et captivant.
C'est donc avec beaucoup d'enthousiasme que nous annonçons notre collaboration avec Éric de Dormael. C'est l'occasion pour nous d'élargir notre gamme et d'offrir à notre public des pièces uniques qui transcendent la notion conventionnelle d'éclairage. À travers cette collaboration, nous espérons apporter une nouvelle dimension à l'art de l'éclairage, tout en continuant à célébrer le talent exceptionnel d'Éric.
Avec Éric de Dormael, chaque lampe devient une fenêtre sur un monde d'émotions, d'images et de sensations. L'art de la lumière n'a jamais été aussi vivant et poignant.
Simon Schmitz : L'Art de la Lévitation Lumineuse
Le monde de la conception de luminaires est vaste et varié, mais il est rare de trouver un créateur qui peut vraiment transformer un objet du quotidien en une œuvre d'art suspendue. Simon Schmitz, avec sa création AARO, est l'un de ces rares talents.
Originaire de la pittoresque ville d'Arnsberg en Allemagne, Simon a trouvé sa vocation dans la métropole animée de Hambourg. C’est ici, à la "School of Art", qu'il a été plongé dans l'univers du design, un univers où il devait apprendre à naviguer seul. Ses débuts étaient simples, mais ils ont été fondamentaux pour sa philosophie de conception : comprendre le contexte est la clé. Cela l'a conduit à adopter une approche réfléchie dans chacun de ses projets, se posant constamment la question du "pourquoi".
Avec AARO, cette réflexion s'est concrétisée. Inspiré par un geste simple et fluide, Simon a recherché la forme la plus pure et la plus fonctionnelle : la sphère. Cette forme parfaitement symétrique offre un mouvement sans effort et une liberté directionnelle illimitée. Mais au-delà de sa fonctionnalité, la sphère est aussi une représentation visuelle forte. Elle évoque des sentiments d'harmonie, d'équilibre et d'unité. Dans le cas d'AARO, elle est devenue le cœur battant de la lampe, le point autour duquel tout tourne.
Mais Simon ne s'est pas contenté de créer un simple luminaire. Avec AARO, il a raconté une histoire. L'histoire d'objets qui défient la gravité, qui dansent dans l'air, qui captivent et envoûtent. Ce n'est pas seulement un objet d'éclairage, c'est une performance, un ballet lumineux en lévitation. Et ce sens du spectacle est ce qui distingue vraiment les œuvres de Simon.
Il est souvent dit que la véritable magie réside dans les détails. Avec AARO, Simon Schmitz prouve que cette magie peut aussi être trouvée dans la simplicité, la symétrie et la sincérité d'une vision bien réalisée. Dans un monde où tout semble être ancré au sol, il nous offre une évasion lumineuse qui semble flotter en apesanteur.
Sebastian Summa : Forgeron des Étoiles
La Bavière, avec ses vallées verdoyantes et ses sommets enneigés, est le lieu de naissance de Sebastian Summa. Un endroit où tradition et modernité se rencontrent, un peu à l'image de l'homme lui-même. Berlin, la capitale effervescente d'innovations et de créativité, est l'endroit qu'il a choisi pour s'établir. Ces deux mondes, apparemment en opposition, se reflètent dans le travail de Sebastian.
Lorsqu'on évoque le monde du design, certains imaginent immédiatement des studios épurés et des créateurs à l'allure élégante. Mais Sebastian dément cette stéréotype. Au cœur de Berlin Est, son atelier résonne du bruit des marteaux frappant le métal, du grincement des machines et de l'éclat brillant de l'acier chauffé à blanc. Cet atelier, un sanctuaire pour un ancien forgeron, est un rappel de ses racines profondes dans le monde de la métallurgie.
Il n’est pas commun de voir un artiste qui a commencé sa carrière en tant que forgeron avant de se lancer dans le design. Pourtant, cette transition unique offre à Sebastian une perspective rare. Sa familiarité avec le métal, sa compréhension innée de sa forme et de sa fonction, donnent naissance à des créations qui fusionnent robustesse et délicatesse.
Mais ce n'est pas seulement le métal qui inspire Sebastian. Ses yeux, souvent tournés vers le ciel, trouvent une muse dans l'immensité de l'univers. Fasciné par l'astronomie et la science-fiction, il a imaginé un objet lumineux qui évoque la beauté éphémère d'une étoile filante. ORG n'est pas qu'une simple lampe. C'est un morceau d'étoile qui a trouvé sa place sur terre.
Le contraste est le thème dominant de l'œuvre de Sebastian. L'acier brut côtoie des lignes élégantes, le passé industriel se mêle à une vision futuriste, et un homme qui travaille avec des matériaux lourds crée des objets d'une finesse surprenante.
Sebastian Summa est la preuve vivante que l'art ne connaît pas de limites ni de définitions rigides. Dans son atelier à Berlin, il nous rappelle que chaque métier, chaque passion, chaque rêve a sa place dans le vaste univers du design. Et, tout comme une étoile filante, il nous montre qu'avec du talent et de la vision, même le plus éphémère des moments peut laisser une impression durable.
Vantot - Redéfinition de la Lumière
En abordant le monde du design, il y a des créateurs qui vous surprennent par leur innovation, et d'autres qui vous émerveillent par leur audace. Vantot, mené par le dynamique duo Esther et Sam, fait indéniablement partie de cette dernière catégorie. Leur travail, loin d'être conventionnel, interroge nos perceptions habituelles, tout en insufflant une nouvelle vision de la lumière.
Enracinés dans la richesse culturelle et intellectuelle de Eindhoven, ces deux diplômés de la Design Academy ont su fusionner leurs talents individuels pour former un tandem d'innovation et d'ingéniosité. Leur démarche est claire : ne jamais se contenter de la première idée, du premier dessin. Ils bousculent les frontières établies, cherchent, expérimentent, modèlent et remodèlent jusqu'à obtenir l'objet qui, selon eux, transcende l'ordinaire.
Leur passion pour la mécanique et le mouvement donne vie à leurs créations. Là où d'autres verraient simplement une source de lumière, Vantot voit une énigme mathématique, un défi technique, une sculpture en mouvement. Leur capacité à contourner l'évidence, à repousser les limites de ce qui est familièrement accepté, les place parmi les designers les plus avant-gardistes de leur génération.
Mais ce qui rend Vantot véritablement unique est leur capacité à trouver de l'inspiration partout. Pour Esther et Sam, le monde est une source intarissable d'émerveillement. Que ce soit la cadence rythmique d'une goutte d'eau, les motifs complexes d'une toile d'araignée, ou les mystères insondables de l'univers, tout est sujet à interprétation et innovation.
Les créations de Vantot ne sont pas de simples objets; elles sont des invitations. Chaque luminaire, chaque "rideau" de VVV, nous propose un voyage dans un univers où la lumière devient énergie, mouvement, et émotion. La puissance qui émane de leurs œuvres est presque palpable, évoquant la vitesse d'un vaisseau spatial ou la force gravitationnelle d'une étoile lointaine.
Avec Vantot, la lumière n'est pas qu'une simple fonction ; c'est une expérience, une aventure, une redéfinition de ce qui est possible. Dans un monde saturé d'objets du quotidien, Esther et Sam nous rappellent que la beauté et l'innovation peuvent être trouvées dans les endroits les plus inattendus, tant que nous avons la curiosité de regarder au-delà de l'évidence.
Philippe Nigro : Entre Rêves et Réalité
D'une école renommée au cœur de Paris à la scène internationale, Philippe Nigro a tracé une trajectoire qui évoque la dualité de l'artisanat traditionnel français et de l'innovation italienne. Sa passion et son éthique de travail se reflètent dans chaque création, faisant de lui une figure emblématique dans le monde du design contemporain.
S'installer entre Paris et Milan, deux capitales du design, c'est comme vivre entre deux mondes : l'élégance intemporelle française et l'audace innovante italienne. Philippe, dans son voyage entre ces deux mondes, a réussi à capturer le meilleur des deux, créant des designs qui parlent un langage universel.
Sa collaboration avec Michele De Lucchi a servi de tremplin, lui offrant une plateforme pour explorer, apprendre et finalement, créer. Et créer, il l'a fait avec une passion inébranlable, du mobilier à la scénographie, chaque projet est une page de son journal intime qu'il partage généreusement avec le monde.
Avec "Respiro", Philippe va au-delà de la simple conception d'un objet lumineux. C'est une invitation à prendre une pause, à respirer, à se reconnecter avec soi-même et les autres. Le nom lui-même, signifiant "souffle" en italien, évoque une douceur, une caresse - un rappel que parfois, il faut simplement s'arrêter et prendre une profonde inspiration. La lumière de "Respiro" n'est pas seulement une source d'éclairage, mais une source de bien-être, un rappel que dans la simplicité, on peut trouver du réconfort.
L'approche holistique de Philippe est capturée dans sa propre déclaration : « Le travail du designer est de raisonner en globalité ». Pour lui, le design ne s'arrête pas à la création d'un objet, mais à la manière dont cet objet s'intègre dans l'espace, comment il dialogue avec l'architecture environnante, et surtout, comment il impacte et enrichit la vie de ceux qui l'entourent.
Philippe Nigro est un raconteur d'histoires à travers ses designs. Chaque création est une fenêtre ouverte sur son monde, sur ses pensées et ses rêves. Et à travers cette fenêtre, il nous invite tous à respirer, à rêver et à repenser la manière dont nous interagissons avec notre environnement. Dans un monde en constante évolution, la voix de Philippe est un rappel bienvenu de l'importance de la simplicité, de la fonctionnalité et, surtout, de l'humanité.
Jean-Louis Frechin - Réinventer la Lumière à l'Ère Numérique
Au cœur de la tourmente créative qui anime l'ère du numérique, il y a des penseurs, des innovateurs, qui, loin de s'y perdre, en tirent parti pour repousser les frontières de ce que nous comprenons et acceptons. Jean-Louis Frechin est indéniablement l'un de ces esprits avant-gardistes.
Formé à l'intersection du design industriel, de l'architecture et de l'innovation numérique, Frechin est un pionnier qui utilise le design comme un moyen d'explorer et de redéfinir notre interaction avec le monde qui nous entoure. Les néo-objets qu'il conçoit ne sont pas de simples appareils fonctionnels; ils sont une expérience, une extension de notre réalité.
La Lampe Frechin est un excellent exemple de cette fusion entre l'art, la technologie et le design. En revisitant la lampe, un objet si familier, Frechin nous rappelle la magie inhérente à la lumière. Cet objet ne se contente pas d'éclairer nos espaces. Il interagit, évolue et émerveille. En manipulant la lumière de manière innovante, il transforme un élément du quotidien en une expérience poétique, en un objet presque mystique qui évoque la curiosité et l'émerveillement.
Cette lampe, selon Frechin, est une interface - une passerelle entre l'utilisateur et la technologie. Elle n'est pas conçue pour être simplement regardée, mais pour être touchée, manipulée, expérimentée. L'interaction est au cœur de sa conception, permettant à l'utilisateur de se sentir impliqué dans son fonctionnement et dans la définition de son esthétique.
Pour Frechin, briser les codes ne signifie pas simplement aller à l'encontre de la norme. C'est une invitation à voir au-delà de ce que nous connaissons, à embrasser l'inconnu et à le façonner d'une manière qui résonne avec nous. C'est un appel à créer des objets qui parlent aux gens, qui évoquent des émotions et qui, à leur manière, racontent une histoire.
À une époque où la technologie envahit chaque aspect de nos vies, Frechin nous rappelle l'importance de l'humanité dans le design. En repoussant les frontières du possible et en infusant de la poésie dans le quotidien, il nous offre une vision renouvelée de ce que peut être la coexistence de l'homme et de la technologie à l'ère du numérique.
Studio BrichetZiegler - Fusion de Technicité et Poésie
Au cœur d'une ère de consommation rapide, où l'obsolescence est devenue la norme, le Studio BrichetZiegler est un souffle d'air frais. Fondé par Caroline Ziegler et Pierre Brichet en 2010, le studio incarne une fusion remarquable entre technicité et poésie.
La force de leur approche réside dans la capacité de voir au-delà de l'évident. Plutôt que d'être uniquement motivés par la tendance, ils sont inspirés par les matériaux eux-mêmes. C'est un retour aux fondamentaux, où le point de départ d'une conception est le matériau ou le processus, offrant une authenticité et une originalité à leur travail.
Mais ce n'est pas une simple utilisation des matériaux dans leur forme la plus brute. C'est une exploration, une danse entre les limites de ce que le matériau peut faire et les possibilités infinies qu'il offre. Cela nécessite un respect profond et une compréhension du matériau, une volonté de l'écouter, de l'apprendre et de le modeler de manière à ce qu'il révèle sa beauté et son caractère unique.
Et pourtant, malgré cette attention minutieuse portée aux détails techniques, il y a une âme, une poésie dans leur travail. C'est ce qui les distingue. Leur capacité à marier la rigueur technique avec la beauté et l'émotion est ce qui fait que leurs créations sont à la fois audacieuses et intemporelles.
Ce qui est encore plus remarquable, c'est leur approche collaborative. La création n'est pas l'œuvre d'un seul esprit, mais le fruit d'une équipe, travaillant main dans la main, affinant chaque détail, chaque courbe, chaque texture jusqu'à ce qu'elle atteigne la perfection. C'est cette collaboration qui permet aux idées de prendre vie, de se développer et de s'épanouir, aboutissant à des objets d'une beauté saisissante et d'une durabilité exceptionnelle.
En fin de compte, le Studio BrichetZiegler est une célébration du design dans sa forme la plus pure. Un rappel que, même dans notre monde moderne, il y a encore de la place pour la beauté intemporelle, la qualité exceptionnelle et, surtout, la poésie.
Grégoire de Lafforest - Ode à l'Essence et l'Intemporel
Grégoire de Lafforest ne se contente pas de concevoir des objets; il crée des expériences. Bien qu'ayant été formé en architecture d'intérieur à la prestigieuse ESAG Penninghen, c'est dans le design de mobilier et d'objets que son cœur trouve sa véritable vocation.
À première vue, les créations de Grégoire peuvent sembler minimalistes, mais une observation plus attentive révèle la complexité et la profondeur de chaque pièce. Sa passion pour le tactile est évidente dans ses œuvres. L'écho de l'odeur du bois, la douceur du cuir, la chaleur des matériaux naturels - tout est conçu pour éveiller les sens.
C'est cette approche sensorielle qui donne à son travail une qualité intemporelle. Dans un monde dominé par le digital et le temporaire, Grégoire rappelle l'importance du toucher, de la sensation, de la connexion. Ses œuvres ne sont pas simplement des objets, mais des invitations à s'arrêter, à ressentir et à se reconnecter avec le monde tangible.
Mais plus que tout, ce qui distingue Grégoire, c'est son engagement envers l'authenticité. Il ne cherche pas à suivre les tendances éphémères ou à créer pour la masse. Au lieu de cela, il poursuit une vérité personnelle, une vision où le design va au-delà de la fonction pour toucher l'âme.
Dans l'atelier de Grégoire, chaque objet raconte une histoire. Il s'entoure d'objets qui l'inspirent, car pour lui, la création est un acte d'amour, une danse entre l'artiste et son medium. Dans ce monde en perpétuelle évolution, il nous rappelle que certains sentiments, certaines vérités, restent éternelles.
Yuji Okitsu - Quand l'Architecture Rencontre la Poésie du Quotidien
Originaire de la vibrante Tokyo, Yuji Okitsu a grandi bercé par les doux rythmes de Senri New Town à Osaka, un contraste qui a nourri son œil pour les détails subtils. Formé à l'université Denki de Tokyo, c'est avec un master en architecture en poche qu'il a entamé son voyage dans le monde du design et de la construction. Mais si vous pensez que son monde se limite aux murs, aux toits et aux fondations, vous vous trompez.
Le monde de Yuji est peuplé d'instants : le rayon de soleil qui filtre à travers une fenêtre, le son apaisant de la pluie sur une toiture, le murmure des feuilles dans une brise légère. Pour lui, l'architecture n'est pas qu'une question de briques et de mortier. Elle est l'incarnation des sentiments et des émotions que l'on ressent dans les moments les plus ordinaires de la vie quotidienne.
Il a cette capacité rare de percevoir ce que la plupart d'entre nous négligent. "Je me concentre sur les événements qui touchent les cordes sensibles cachées dans la vie quotidienne", dit-il. Et cette approche est évidente dans chacune de ses créations. Plutôt que de simplement construire des espaces, il crée des expériences. Chaque design, chaque ligne, chaque choix de matériau est informé par une intention de capturer ces moments éphémères qui, bien que souvent négligés, sont essentiels à notre humanité.
En tant qu'architecte indépendant, Yuji a la liberté de suivre sa vision, non contraint par les limites traditionnelles de sa profession. Et cela lui permet de fusionner différentes disciplines, du design d'intérieur à la planification urbaine, en passant par l'art et la philosophie.
Dans un monde où nous sommes constamment distraits par la technologie et le bruit, le travail de Yuji Okitsu nous rappelle la beauté et la poésie qui résident dans le quotidien. Avec chaque projet, il nous invite à prendre un moment, à respirer et à redécouvrir les merveilles cachées dans les moments les plus simples.
Charles Kalpakian - Une Fusion d'Héritage et de Modernité
En traçant les contours de sa vie, on pourrait dire que Charles Kalpakian a toujours été destiné à créer. Né dans la magnifique mosaïque culturelle qu'est Beyrouth, il porte en lui l'empreinte d'une ville qui est elle-même une œuvre d'art à multiples facettes. C'est une ville où l'Orient rencontre l'Occident, où tradition et modernité se côtoient et se mêlent, tout comme dans les créations de Charles.
La collaboration avec des agences de renom lui a fourni une plateforme pour peaufiner son art et ses compétences. Cependant, c'est en lançant son propre studio de design qu'il a pu réellement explorer et affiner sa voix unique. Une voix qui parle de son héritage libanais, de la culture du street-art française, de l'histoire et de la modernité.
Chaque création de Charles Kalpakian est un hommage à ses racines. Ses designs sont imprégnés de motifs libanais, de calligraphies et d'arts décoratifs, mais ils sont également audacieusement modernes. C'est cette juxtaposition, ce jeu entre l'ancien et le nouveau, qui rend son travail si captivant. Ses pièces sont à la fois des rappels nostalgiques et des déclarations avant-gardistes.
Il décrit ses voyages comme des sources de « lumière », évoquant des lieux et des moments précis. Cette lumière, Charles la capture dans ses créations, lui permettant d'immortaliser des émotions, des souvenirs et des histoires. Comme il le dit si bien, ses pièces sont des tableaux, des dessins que l'on ne se lasse jamais de contempler. C'est cette passion, ce désir d'exprimer et d'évoquer des émotions, qui fait de Charles Kalpakian l'un des designers les plus intrigants et inspirants de sa génération.
Thierry Dreyfus - L'Artiste Lumineux
Plonger dans l'univers de Thierry Dreyfus, c'est comme entrer dans une chambre où chaque rayon de lumière est intentionnellement placé, où chaque éclat, chaque ombre, raconte une histoire. Cette capacité à sculpter la lumière, à la rendre palpable, vivante et expressive est ce qui distingue Thierry dans le monde de l'art et du design.
C'est une chose d'éclairer un espace, mais c'est tout autre chose de le faire d'une manière qui capture une émotion, un moment ou une idée. C'est là que le génie de Thierry entre en jeu. Son approche transcende la simple utilité de la lumière pour embrasser son rôle en tant qu'outil d'expression artistique. Là où d'autres voient une source lumineuse, Thierry voit une toile vierge prête à être transformée.
Il n'est donc pas étonnant qu'il soit tant recherché par des géants de la mode et du design tels que Comme des Garçons, Raf Simons, Rhude et Peter Marino. Avec eux, il ne se contente pas de créer un éclairage pour les espaces, il crée des atmosphères, des ambiances qui deviennent intégrantes de l'expérience. Ses créations ne sont pas seulement fonctionnelles, elles sont émotionnelles.
Thierry Dreyfus a une vision du monde bien à lui : là où certains voient la dureté et la brutalité de la réalité, il voit une opportunité pour le beau. En cela, il est vraiment le Deus ex-machina des lumières modernes. Lorsqu'il s'empare de la lumière, ce n'est pas seulement pour éclairer, mais pour transformer, pour communiquer, pour évoquer. Dans chacune de ses installations, il capte cette essence de la lumière, la tient entre ses mains et la partage généreusement avec le monde, nous rappelant constamment la puissance poétique de la lumière.
Clément Cauvet - L'Enfant Artiste de la Lumière
Le parcours artistique de Clément Cauvet n'est pas conventionnel. Le qualificatif "inclassable" lui convient parfaitement. Avec un regard enfantin, une imagination débordante et une maîtrise de matériaux tels que le béton et le métal, Clément crée un univers unique en son genre.
Il y a une innocence enfantine qui se dégage de son approche. Il n'adopte pas une technique typique ou une méthode éprouvée, mais plutôt une vision du monde façonnée par la curiosité et l'expérimentation. Quand il parle de ses luminaires, on peut presque visualiser ce jeune garçon dans sa chambre, construisant des mondes avec ses Légo, chaque pièce représentant une histoire, une émotion, une partie de lui-même.
Mais ne vous y trompez pas, les œuvres de Clément ne sont pas de simples jeux. Elles sont profondes, réfléchies, et démontrent une compréhension impressionnante des formes, des matériaux et de la lumière. L'utilisation audacieuse du béton et du métal lui donne une qualité brute et industrielle, et pourtant, lorsque la lumière les traverse, elle révèle une douceur, une subtilité qui contraste étonnamment avec leur construction robuste.
Ce mélange de passé, de présent et de futur est une signature de son œuvre. Les luminaires ne sont pas simplement des objets fonctionnels ; ils sont des ponts entre les époques, des narrateurs silencieux qui nous parlent de temps révolus, de moments actuels et de visions futures.
Il est certain que Clément Cauvet est un talent rare. Ses pièces, avec leur originalité et leur beauté, démontrent sa capacité unique à combiner la nostalgie de l'enfance avec une perspective moderne et avant-gardiste. Pour tous ceux qui ont la chance d'observer ou de posséder une de ses créations, c'est une véritable invitation à voyager à travers le temps, à ressentir le monde à travers les yeux d'un artiste à la fois jeune de cœur et sage d'esprit.
Patrick Jouin - L'Artiste de l'Espace et de la Lumière
La conception de l'espace est une discipline qui, à première vue, semble éphémère et abstraite. C'est un domaine qui nécessite une compréhension nuancée de la manière dont les êtres humains perçoivent, interagissent avec et sont influencés par leur environnement. C'est précisément dans cette complexité que Patrick Jouin excelle.
Sa formation à l’ENSCI et son expérience auprès de Philippe Starck, une icône du design, ont jeté les bases d'une carrière riche en innovations et en visions avant-gardistes. Mais au-delà de ces expériences, c'est sa capacité à percevoir l'espace et à le transformer qui distingue réellement Patrick des autres. Qu'il s'agisse d'un objet, d'une pièce ou d'un bâtiment entier, son approche est toujours centrée sur la compréhension de l'espace et sur la manière dont il interagit avec ceux qui l'habitent.
Patrick n'est pas simplement un designer ou un architecte d'intérieur ; il est un philosophe de l'espace. Dans chacun de ses projets, il ne s'arrête pas seulement à la forme ou à la fonction, mais va plus loin en se demandant : "Quelle est la véritable essence de cet espace ? Comment peut-il être optimisé, transformé et adapté pour mieux servir ses utilisateurs ?"
L'une des citations les plus révélatrices de sa philosophie est sa réflexion sur la lumière. Pour Patrick, la lumière n'est pas simplement un élément fonctionnel ou esthétique, elle est la clé pour révéler et comprendre le monde qui nous entoure. Elle façonne, définit et éclaire l'espace. Elle donne vie aux objets, créant des ombres, des textures et des tonalités qui transforment l'ordinaire en extraordinaire. En se concentrant sur la lumière, Patrick nous rappelle que la conception ne concerne pas seulement la création d'objets ou d'espaces, mais la création d'expériences.
Ainsi, à travers son œuvre, Patrick Jouin ne se contente pas de dessiner ou de concevoir, il nous invite à voir, à ressentir et à vivre l'espace d'une manière nouvelle et enrichissante. Ses créations ne sont pas de simples structures ou objets, mais des expériences sensorielles qui nous connectent profondément au monde qui nous entoure.
Giulia Liverani : Lumière d'Innovation en Design
Giulia Liverani est une designer italienne renommée, passionnée par l'interaction entre la lumière et l'espace. Co-fondatrice d'OliveLab, elle allie innovation, matériaux de qualité et nouvelles technologies pour repenser la conception luminaire.
Animée par une vision poétique de l'éclairage, Giulia voit la lumière non pas comme une simple fonctionnalité, mais comme une force émotionnelle capable de meubler un espace, d'évoquer l'étonnement, la magie et la beauté.
Sa création pour DCW Éditions Paris, la lampe "Tell Me Stories", reflète son approche centrée sur l'utilisateur, où chaque détail est conçu en pensant aux besoins réels du consommateur final. En dehors de son travail, elle se décrit comme une amatrice de chats, de design et de la vie en général, ajoutant une touche personnelle à son profil professionnel.
Julie Fuillet – Des chemins détournés
Architecte D.P.L.G. diplômée de l’École d’Architecture de Paris La Villette, Julie Fuillet n’a pas choisi la voie la plus directe pour faire de la décoration et de l’intérieur design ses domaines de prédilection. Après un passage en Polynésie française, où elle a travaillé sur des projets d’hôtels de luxe, elle a rejoint de grandes agences parisiennes comme celles de Jean-Philippe Nuel, Vincent Bastie ou encore Jean-Marc Lalo.
Avec DCWéditions, elle signe l’iconique applique Rosalie, créée avec la participation du light designer Emeric Thiénot.
2022 - ROSALIE
Bruno Gecchelin – Objectif demi-lune
Bruno Gecchelin, figure majeure du design italien des années 1970-80, a marqué son époque avec des luminaires devenus cultes. Après son passage chez Olivetti où il a collaboré avec Ettore Sottsass, il a fondé son propre studio à Milan. Avec des collaborations prestigieuses pour Arteluce, Venini ou encore Guzzini, il a remporté deux Compasso d’Oro.
Pour DCWéditions, il revisite son célèbre lampadaire Mezzaluna, un chef-d’œuvre intemporel du design transalpin.
1975 - MEZZALUNA
Douglas Mont – Designer très spatial
Inspiré par l’univers de science-fiction et nourri par l’histoire de la firme familiale Rispal, Douglas Mont a relancé en 2018 les best-sellers des années 1950 tout en y ajoutant sa touche contemporaine. Spécialisé dans le design modulaire, il a conçu des œuvres lumineuses uniques et sculpturales. Avec DCWéditions, il dévoile sa première collaboration : le lustre In The Air, un hommage à une modernité essentielle et modulable.
2024 - IN THE AIR
Lutz Pankow – Designer scientifique
Né à Lisbonne en 1968, Lutz Pankow a grandi en Amérique du Sud, où il a été influencé par son père technicien aéronautique. Formé auprès d’Alberto Meda et Roger Tallon, il a intégré dans ses créations un équilibre entre technicité et esthétique. Avec Munari, sa première collaboration avec DCWéditions, il propose une suspension graphique évoquant un tourbillon magnétique, légère et poétique.
2024 - MUNARI
